推荐阅读
Photoshop鼠绘绘制可爱的猴年吉祥物教程
最终效果1、首先用椭圆工具绘制一个椭圆，填充颜色：#3e3129，接下来添加内阴影，数值如下。2、Ctrl + J 复制一个椭圆缩小，增加面部细节，填充颜色：#4e3e36。3、下面就来分析一下，该形状是由一个三角形与椭圆做布尔运算所得。
颓废的音乐海报设计教程
今天将教大家使用photoshop工具来设计一个有趣的涂鸦效果音乐海报好了，先看下效果图。现在就让我们开始吧。首先我们要寻找一张墙壁纹理效果的照片。我使用的是这种纹理照片。打开这个文件我们需要风格化处理下。我们使用的是图像> 调整>色相/饱和度，设置参数如下把纹理照片校正好色相饱和度和亮度后，效果如下图：Ok，让我们进行下一步。给纹理添加一点锐化效果会看起来更好。使用锐化工具笔刷选择柔角400px.是不是看起来效果好了?呵呵。接着下一步涂鸦。我们到谷歌上去搜索一下，找一些适合的照片(使用时注意版权我们使用的是图片不是照片)。这张涂鸦照片不错。将图层混合模式改为正片叠底Multiply
分别对切片进行优化
网页界面根据功能的需要建立了很多的切片，在不同的切片下可以设置不同的网页链接或网页特殊效果。建立切片后整幅网页界面也被分成了若干个小的图片。这些切片图片有些画面内容丰富，需要拥有较多的颜色信息，而有些则内容简单，这时我们就可以对内容简单的切片进行优化，使其在最大幅度上降低颜色信息，同时也降低整个网页的体积。在对切片进行优化之前，首先让我们来了解一下切片，切片是图像的一块矩形区域，可用于在Web页中创建链接、翻转和动画效果。通过将图像划分成切片，可以更好地对图像进行控制，也便于网络下载。将图片存储为网页格式时，整幅网页界面图像将根据切片的划分方法，切割为一幅幅的小的图片。如图17-34所示为具有切片的图像效果。图17-34 具有切片的图像效果在Photoshop中包含两种切片即用户切片、自动切片。使用Photoshop的“切片”工具可以直接创建的为用户切片，根据网页需要用户切片可以被移动、复制、组合、排列、对齐和分布，还可以对其单独应用优化设置。而自动切片都链接在一起并共享相同的优化设置。创建用户切片时，自动切片将填充图像中用户切片未定义的空间。根据用户切片的形状和位置，自动切片会分成很多的块面，但是在对自动切片进行优化设置时，系统将所有的自动切片视为一张图片进行优化。如图17-35所示，用每种类型的切片都显示不同的图标，用户切片显示为蓝色图标，而自切片显示为灰色图标。图17-35 用户切片和自动切片的外观区别
7招让你完全掌握 以手代眼“把握”盲拍
一般来讲，不用取景器，纯粹以手感及视野、角度判断的拍摄方式，称为盲拍。盲拍一词，其实仅点出了拍摄时，眼睛没有贴在单反相机观景视窗上的事实，但是并非盲目的拍摄。掌握了一定的经验后，往往拍摄的成功率可以达到八九成以上，甚至可以精确控制构图，将主体摆至井字线上，还能对完焦后，以手感来改变调整构图。如何能掌握盲拍的技巧呢?这里简单做如下归纳。 1. 使用广角镜头 对于初学者而言，广角镜头有较大的视野，成功率较大，不至于发生主体跑出画面外的糗事，而且广角镜头可以有效地提升手持极限，在光线不好的情况下，广角镜头景深大，画面拍实的可能性要高很多。 2. 只使用特定焦段来训练 如果使用变焦镜头，如17-35mm镜头，虽然镜头焦距可变，但拍摄时还是应当成定焦镜头使用。假设先固定在焦距17mm，时间一久，摄影师的潜意识就会开始对这个特定焦段在场景的视野、角度，有更深刻的认识。 3. 先用中央点对焦 中央对焦最符合日常的拍摄习惯，这也是最保险的方法。合焦之后，如果再想改变画面构图，可以锁定焦点后，再训练以手感改变画面的位置。 4. 使用中间光圈 盲拍时很多摄影师都喜欢使用大光圈以便提高快门速度，但大光圈也会导致景深小，画面清晰度不足。为适应不同的情况，建议多使用f/5.6-f/11的光圈。 5. 训练单手拍摄的稳定度
最新发布
卡蒂埃・布勒松的经典构图理论
“构图”一词源于拉丁语，其本来意思为结构、组成或联结，而在摄影中则是指画面的安排，确定画面内各个组成部分的相互关系，以便最终构成一个统一的画面整体。这也就是摄影者为了表达思想内容而创造的整个造型结构，其中包括光与影，线条与色调等造型要素的组合。 迄今最负盛名的摄影构图大师，也许是法国著名摄影家亨利·卡蒂埃—布勒松。在长期的摄影实践中锻炼出了一双极其敏锐的眼睛，以至于他拍出的照片常常带有信手拈来的风格，但却都是深思熟虑的结构协调的作品。有趣的是，他的大部分作品都是用50mm标准镜头拍摄的，而极少用35mm或90mm等镜头拍摄。在摄影构图方面，布勒松有许多精辟的见解。 1952年，他在《决定性的瞬间》—文中指出：“一幅照片，要把题材尽量强烈地表达出来的话，必须严格地建立起形式之问的联系。摄影隐含有辨识功能，就是把真实事物世界的节奏辨识出来。眼晴的工作，就是在大堆现实事物中，找出特定的主体，聚焦其上。照相机的任务，只不过是把眼睛所作的决定记录在胶卷上而己。正如对绘画作品一样，对待摄影作品，我们也是将它当作整体来观看和感受的，而这个整体，我们只须一瞥便可把握。在摄影作品中，构图实际上就是眼睛所见到的不同元素的同时组合和有机组织的结果。由于内容和形式是不可能分割的，因此，构图是不可能事后补上的，不可能作为一种补贴在基本素材之上的事后设想。换句话说，构图必须具有必然性。 “摄影具有新的可塑性，就是主体运动时瞬间出现的线条所形成的。我们配合着运动而进行拍摄，仿佛运动本身就是按照着自己的预定方式展露着的生命似的。但是，在运动的过程中，会有特别的时刻，当这一瞬间出现时，动态进行中的各项因素都处于平衡状态。摄影的任务，就是要抓住这一瞬间，将其中的平衡状态把稳，并凝结动态的进行。” 布勒松认为：“摄影家的眼睛，永远都在评估出现在他眼前的事物。他只须移动1毫米的几分之一，便可以把线条吻合起来。他只须稍微屈膝，便可以将透视改变。把照相机放置在离主体近一些或远一些，他便可以刻画出某一细节——这细节，既可能相得益彰，也可能喧宾夺主。然而，对照片进行构图所需的时间，几乎是跟按动快门的时间一样的短，因为两者同是条件反射而已。
顶级摄影师教你领悟用光的艺术
人们将照相机形容为“画笔”，把光线比喻为“颜料”，摄影者就是在利用光线绘制图片，就像画家仔细挑选他的颜料一般，摄影者也应该懂得选择光线。一旦我们在摄影创作中学会了选择光线，并且能够随心所欲地运用光线，你将拥有人世间最丰富的颜料，发挥你的想象力，在光影的世界中描绘人生。 在各种光线效果下，逆光无疑是最令人捉摸不透，也是最难以把握的光线，这种高反差的光线既简单又具有表现力，也因此成为摄影师最推崇的光线。在光的世界中，除了逆光以外，光线还有许多不同的表现形式，诸如顺光、测光、反光、透射光、天空光、区域光、折射光等等，当然这仅仅是自然光中的一部分，还不包括繁杂的人工光线。 可以讲，光是摄影创作的灵魂，如果没有光，摄影又从何谈起?一旦你拿起照相机进入到创作阶段，就意味着你进入了光的领域。事实上，作为摄影师，这辈子最主要的精力都是在琢磨光线。 透射光的艺术效果 无论走在首都哈拉雷的繁华大街上，还是在乡间僻壤的小路上，都会看到妇女们头顶物品匆匆走过的身影。她们头顶的物品可谓五花八门，最常见的有编织袋、麻包和水桶，哪些身穿筒裙的非洲妇女，头顶彩色的编织袋，身上再背一个小娃娃，婀娜多姿的身影让那些职业模特看了也会赞叹。 我在津巴布韦的那段日子里，脑子里一直在琢磨采用什么手法，将这一普通的生活场景艺术化。直到某一天清晨，在一个叫不上名字的小镇，我发现了一片茂密的树林，清晨的阳光透过晨雾洒向大地，那种感觉就好像是一个临时搭建的舞台布景，据有非常强烈的艺术感染力。这是一个十分难得的机会，可惜现场没有人，我决定采取“守株待兔”的笨办法，在等待中伺机抓拍。 公路上远远地走来两位头顶纸箱的妇女，我将自己隐身到一棵大树的后面，用长焦距镜头拍下了这幅非洲妇女日常的生活画面。 在拍摄之前，我也曾经考虑过使用广角镜头，并靠近“布景”实地比较了一番，最终还是确定用长焦镜头远吊。因为广角镜头距离景物太近，光线被分散了，光洒的效果就逊色很多，也会使被摄者感到紧张，甚至会躲避镜头;而长焦距镜头压缩了场景，突出了空气透视感，强化了光洒人间的效果，使一个看起来极为普通的生活场景艺术化。 2006年4月13日早晨约6时，摄于津巴布韦。 尼康F100相机，NIKKOR 80-200mm 1:2.8 ED镜头，柯达EB-3反转片，平均测光：-1EV, AV-F8 1/125s。投影的魅力
人像摄影的影调与色调
由于光线的使用、人物主体的服装搭配以及背景颜色的选择等不同因素的作用，人像摄影照片会呈现出不同的影调与色调感。接下来介绍如何在人像摄影中，设计不同的影调和色调感。 1、如何拍摄高调人像 高调人像的特点是画面的影调构成以亮调为主，尽量避免或少用暗调。对于彩色人像摄影来说，高调应以白色、明度高的浅色和中等明度的颜色为主。被摄体的形象在整个照片中呈现亮影调，没有明显的阴影、投影，画面比较洁净、明朗、柔和。 在拍摄高调人像时，人物主体需要穿着白色或者其他颜色比较浅的服装，当然背景的选择也是以浅色为主。光线一般选择产生阴影较少的顺光，或者在阴天时，利用比较散射光，摄影者也可以根据实际情况来增加一级曝光。 2、如何拍摄低调人像 低调人像的特点和拍摄要求正好与高调人像相反，其影调构成以暗调为主，彩色人像的影调组成以黑色、明度低的深色和中等明度的颜色为主。低调人像照片，能使人物主体的形象显得深沉、凝重。 在拍摄低调人像时，人物主体应穿深色服装，并使用较深色的背景。在利用光线表现时，一般以侧逆光或者侧光为主，并且使人物面部的阴影大一些。在曝光过程中，摄影者需要依照被摄体面部亮处曝光，使亮处以中等明暗或者比中等明暗略暗的影调形式表现出来，阴影部分则再现为暗调。不过，当摄影者使用顺光表现低调人像时，应该适当降低曝光量，以便画面整体呈现暗调。 3、如何拍摄一般影调人像 一般影调的人像不像高调人像那样以浅淡的影调为主，也不像低调人像那样以深重的影调为主，而是在照片上可以包含深的、中等的、浅的各种影调。因此，它的影调构成特点既不倾向于明亮，也不倾向于深暗，而是给人一种既不偏于轻快，也不偏于凝重的视觉感受。在通常情况下，拍摄的人像照片都属于这种影调。 4、暖色调设计 色彩主要被分为暖色、冷色和中间色3种。红、橙、黄以及以红、橙、黄为主要成分的色彩被称为暖色;蓝、青以及主要含有蓝、青成分的色彩被称为冷色;绿和紫被称为中间色。由此可知，要得到暖色调效果的照片，可以利用红、橙、黄等暖色或者主要含有这些色彩成分的色调。
复古主义来袭 标准镜头的乐趣
在胶片时代，单反相机大多使用50mm标准镜头。但如今大部分数码单反都配上了变焦镜头，结果很多人都不了解其实标准镜头有多好。本文就为大家介绍一下使用标准镜头的乐趣。 什么是标准镜头? 标准镜头位于广角和长焦镜头之间。标准镜头的视角与人类肉眼视角相当，因此拍摄到的画面与肉眼看到的非常类似。广角镜头会夸大前后物体之间的距离，而长焦镜头会压缩距离。标准镜头则表现得比较“正常”。在35mm胶片相机和全画幅数码单反相机上，标准镜头焦距是40-50mm。在小尺寸数码单反相机上则是25-31mm。在M4/3相机上是20-25mm。标准镜头的优点 1. 标准镜头拍摄的画面比较自然 广角镜头拍摄的照片充满张力，能将观众“带入”画面，长焦镜头拍摄的照片令人感觉乏味一些。由于标准镜头没有这些效果，所以观众会直接被画面的内容所吸引。没有了广角与长焦镜头给画面赋予的光学效果，标准镜头让实物呈现出其原貌。 2. 标准定焦镜头拥有大光圈 典型业余级变焦镜头的最大光圈只有f/4，而且价格不菲。一支相当便宜的定焦标准镜头光圈可以达到f/1.8，甚至还有f/1.4，是f/4的8倍。大光圈不仅可以拍摄出美丽的虚化效果，还能在没有闪光灯的情况下使用低感光度。 3. 标准定焦镜头小巧、轻便、低调 在相机上安装一个变焦镜头就像带了一门大炮，很容易令其他人感到不安，而小巧的标准定焦镜头就要低调多了。
柔光箱与伞在人像摄影布光中的对比
你应该用柔光箱，还是柔/反光伞?尽管它们的作用非常类似(柔光)，但二者之间还是有很多不同之处的。 柔光箱 柔光箱是人像摄影中非常理想的布光工具，因为它可以多种方式控制光线。如果你在一间小屋子中拍摄，柔光箱可以控制光线的范围。也就是说你可以将被摄体(模特或物体)置于柔光之中，同时背景很少会受到光的“污染”。在人像摄影中这很有用，因为这类照片往往需要较暗甚至全黑的背景。没错，你可以不需要黑色背景布就创造出全黑的背景。 柔光箱可以非常轻松地拍出讨喜的人像照片。你可以用它做主光、辅光甚至是发光。这取决于灯的位置和设置。 你可以买到几种便于携带的柔光箱。可以选最大号的，柔光效果最好。我现在使用80×80cm的柔光箱，效果非常出色。它折叠起来后方便携带，只需5分钟就可以复原使用。另外它还带2个蜂巢，可以进一步控制光线。 柔/反光伞 伞最直接的优势就是方便携带和移动使用。外出拍摄时你可以一次带上好几把伞也不会感到不方便。把伞装在闪光灯前，就能将闪光灯变成一个大光源，提供美丽的柔光。不过要小心伞会被风吹飞。我已经有好几把伞因此而损坏。在户外用伞时要用相机包等物固定住灯架支脚。 伞与柔光箱相比，不足之处在于控制光溢出上。在室内使用时，伞发出的光线会布满整个房间，不利于控制背景明暗。 伞分两种。一种是放在灯前的柔光伞，使用白色半透明材料制作，光线会透过伞面到达被摄体。柔光伞的伞柄指向与被摄体相反方向，不会因意外造成伤害。另一种是反光伞，光线经伞面反射后照向被摄体。这种伞的伞柄指向被摄体，所以不要把它放得太靠近。不过伞离被摄体越近，光线就越柔，因为光源的相对大小更大。
如何运用修饰光使人像更完美？
修饰光可以增加人像以及整个画面的观赏性，除了对人物的局部进行修饰以外，还可以突出人物的层次，使人像画面更完美。 修饰光是用来补充、强调和修饰被摄者局部细节的光。它在强度、面积上均不影响主光对被摄者的整体造型。通常用于对被摄者某些因照明不足而不够突出的部位，如人物的头发、饰品、脸的局部、眼神等等进行补充照明，使所拍摄的人物更漂亮。
【人像摄影技巧】为家人拍摄一组“户外家庭照”
外拍对于很多摄影师而言，意味着参加活动或约了模特，和三五个影友交流拍摄，但你有没有和家人出去外拍过?选一个周末，和家里人一起出去游玩吧~!在这次拍摄中，不是要拍出那些在网络上博取点击的惊人照片，而是要记录洗出来能放进相册的珍贵回忆。 鼓励家人做喜欢的事 没有拍摄对象的配合，摄影师很难拍出人物的个性与风格。因为没有专业模特那样习惯镜头，你在为自己家人拍摄时会发现，他们面对镜头都容易呆滞表情僵硬。这时应鼓励家人们做自己喜欢的事，让他们在笑容中变得自然!奶奶喜欢逛公园，弟弟妹妹喜欢划船，一起出发吧~。 玩的时候不要离开家人太远，不要像拍模特一样用长焦在远方拍摄。实际上若想要照片的气氛有参与其中氛围的感觉，首先摄影师就真的要近距离参与其中。 固定机位，情侣一起玩乐~。 活动起来! 要避免呆板的拍摄角度，让家人们活动起来才是最好的方法。将相机拿在手上，你和家人随意走动。小孩子想要奔跑，你也可以和他们一起跑，选择伺服对焦模式就可以开拍摄。这样家人们才能真正享受出来玩的乐趣，而你拍出来的照片一定既自然又有活力。 孩子的笑容，永远的主题 时刻拿着相机 在户外随着玩乐进行拍摄，感觉有点像一场纪实捕捉。一些值得开心的场景瞬间即逝，不可重来，想要留下家人开心的笑容，就要懂得捕捉瞬间，相机不可离身!我时常保持相机处于开机状态，因为现在单反在待机时不太耗电(不像微单)，而且都有定时休眠的设定，实际用起来是十分方便的。当你遇到想要拍摄的景色，半按快门就可以将相机唤醒。 精彩的画面总是瞬间 摆脱摄影师角色，和家人一起玩乐! 最后我要说的是，你要记得保持平时生活中自己的样式。也许你在平时工作时是一个严肃的摄影师，但现在是和家人欢乐的时刻，没有严苛的要求，不用需要专业的技巧。不要让整件事情太正式，玩的开心! 注：更多请关注摄影教程栏目，三联摄影群:182959594欢迎你的加入
摄影中的色彩运用：了解和控制色彩，运用好色彩拍出精彩照片
我们的生活、吃饭、睡觉、工作及休闲都离不开色彩。我们的世界被色彩深深地影响着。我们能够感知色彩，并在色彩中体验生命。所以，我们需要尽自己最大的努力运用好色彩，并通过创作照片来体现。了解和控制色彩是学习数码摄影的基础之一。 "Blue Mask" captured by Matt Marquez 1. 用色彩反应情绪 我们是情绪化的生物，并能感觉到色彩。愤怒的黑色，初生的绿色，冰冷的蓝色，还有我们的金色回忆。色彩能唤起我们的回忆，例如橙色的日落和清冷的蓝色早晨。绿色象征着生长，红色则充满活力。试着在你的照片中通过运用色彩来表达情绪。 2. 拍摄色彩 选择一种色彩，并把它作为拍摄主体。将色彩鲜明的门或窗从环境中分离出来。选择这类具有简单设计或形状，但色彩丰富的物体，配合中性的背景，能够创作出戏剧化的效果。 3. 创造和谐 选择在色相环上位置接近的颜色，并将它们一起摄入画面。大自然里充满了这种和谐，比如绿色与黄色就可以创作出值得称赞的画面。秋季是拍摄这类题材的好时节，到处都充满了黄色、棕色和橙色，这是秋季的主题色。 "Thirsty" captured by Debra Vanderlaan 4. 拍摄“Muted Colours”效果
访谈：探讨商业摄影师的价值问题
编者按： 目前，摄影趋向商业化的表现越来越明显，商业摄影师的价值被严重低估，客户习惯于把商业摄影师同影楼摄影师划等号。培养一个影楼摄影师也许一年就可以，但合格的商业摄影师往往需要数年的时间才能独当一面。 现在，成都商业摄影师的生存空间并不理想，很多商业摄影师坚持不下去，往往都会转作人像摄影了。随着成都产业结构的变化和城市的发展，成都市场处于一个上升的阶段，越来越多客户开始认可优秀商业摄影师及其作品的价值及给他们带来的价值效益。 主 持 人：郭丽娜(以下简称“郭”) 访谈嘉宾：傅 欣(以下简称“傅”) 郭：首先恭喜您获得了“PPA国际职业 摄影大师奖”，作为一个商业摄影师，您觉得现在广告摄影比拼的是什么呢? 傅：除了前期的创意策划之外，整个制作团队的协作是最重要的，各环节工作不再是摄影师一个人的事情，每个环节都需要更专业，专一的人员进行分工。其中统筹工作显得尤为重要。 郭：您是怎么看待摄影后期的?后期在商业摄影里的比重是怎样的? 傅：摄影进入了数码时代，摄影的后期调整，修图比传统胶片时代，更加便捷有效。但这并不是给摄影师依赖后期的一个最佳借口，优秀的摄影师，会尽量靠前期拍摄完成尽可能多的工作，一张不需要后期或者少后期的作品，是值得摄影师骄傲的。但作为商业摄影来说，为达到的目的就是客户的认可和满意，同时作品的制作成本会是越低越好，效率是越高越好，后期在整个摄影过程的比重也就要因上述情况来综合考虑。 郭：从您个人来说，您觉得经营摄影公司最大的困难来自哪方面? 傅：作为内地成都的一个商业摄影机构，我感觉经营最大的困难来自内地客户的意识问题和观念问题，比如：内地很多客户愿意花费几万给自己拍一套婚纱或者艺术照，但给自己的产品拍摄几千元都舍不得花。另外有些客户盲目认为外地或者国外的摄影机构就一定比本地的摄影机构好，外来的和尚好念经吧。
实用入门构图技巧
初学者除了要对基本的器材运用(如测光、对焦)有认识外，构图也是其中一个非常重要的课题，好的构图是拍出好照片的重要元素，现在便先看看一些构图的基本法则吧! (一)适当取舍 其中一项初学者最易犯的问题便是"太贪心"了，很想把看到的全部拍进照片里，但是这样会使相片过于复杂、零乱，缺乏一个明确的主题，反而未能让读者看到你想表达的主体。所以第一条法则便是要懂得取舍，作出适当的省略和裁切，鱼与熊掌不要兼得，这样相片的主题便会变得突出了。 画面比较乱，没有明确主题 只抽取其中一两朵花作特写，主题突出 (二)主次要分明 主就是主角、主体，拍摄者最想表达的东西，而"次"就是配角，用来配衬出主角的存在。而在相片中我们可以用前景、中景、背景再配合景深、距离远近、位置、色彩等来达成主次分明，让读者有一个深刻的印象。 石头为前景，流水为中景，树木和天空为背景 利用颜色来突出主题(三)利用对称与平衡 相片除了要有主题外，构图也需要"平衡"，不能东歪西倒，否则读者便不会看得舒服。拍摄时你可以尝试把图片在"视觉"上感到平衡，特别是"视觉"上的轻重，我看过一本书，它把"视觉轻重"大致上归纳如下：