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本教程主要使用photoshop快速的给美女人像照片磨皮美白，这里我们教大家学习漂亮美女皮肤美白的方法，如何让美女的皮肤美白呢，今天我们就一起来学习吧。最终效果图如下：原图素材：具体的制作步骤如下：第一步：复制背景，生成副本，我命名此层为《初磨》图层。再用修复画笔将皮肤上明显的斑点去除掉，如下图所示。第二步：复制《初磨》层两次，第一次复制的命名为《深磨》图层，第二次复制的命名为《质感》图层，先将《质感》层关闭，开始使劲磨《深磨》层，用磨皮软件也可以，用模糊工具也行，反正就是磨光滑，头发眼睛鼻孔嘴唇可要留下，别磨。别怕成塑料人，越光滑越好，越漂亮。
photoshop 给曝光过度的少女照添加深秋的黄褐色调
原图效果图1、打开素材原图，复制一层。图层样式设置为“正片叠底”如下图2、创建曲线图层，对RGB、红、蓝色进行调整。参数设置如下图4、盖印图层，得出高光区，选择反选。填充颜色如下图。图层样式设置为“柔光”不透明度为50%7、创建曲线图层，对RGB进行调整。参数设置如下图
美国最早的职业工业设计师沃尔特・提格
沃尔特·提格（Walter Darwin Teaque，1883-1960）是美国最早的职业工业设计师之一。他曾经是一位非常成功的平面设计家，有长期的广告设计经验，由于市场机会的形成，他早在二十世纪二十年代中期就开始尝试产品设计，提格的设计生涯与世界最大的摄影器材公司--柯达公司（Kodak）有非常密切的关系。 早在1927年，提格就接受柯达公司的委托，为柯达公司设计照相机包装，1928年他成功地设计出大众型的新照相机"柯达·名利牌" （Vanity Kodak）,这种照相机受到当时流行的装饰艺术运动的影响，采用金色条带和黑色条带平行相间作机体，具有强烈的装饰性，与当时非常流行的埃及图坦卡蒙面具具有明显的联系，因此产生了非常好的市场效应。 他再接再厉，不断了解新技术，于1936年设计了柯达公司的"班腾（Bantam Special）"相机，这是最早的便携式相机，相机的基本部件压缩到基本的地步，为现代35毫米相机提供了一个原型与发展基础。"班腾"相机同样采用横线作为装饰，相机的基本部件都被收藏在面盖之内，外形简单到无以复加的地步，体积与今天的傻瓜相机一样大小，因此使用方便，并且不会有锐利的棱角，相当安全。他利用外形设计的美学方式解决了功能和技术上的难点，原因是他始终和柯达公司的技术人员密切合作，这是美国工业设计师的一个重要特点。第二次世界大战以后，提格继续担任柯达公司设计部的总顾问，为柯达公司的产品设计提供服务。 1955年提格的设计公司与波音公司设计组合作，共同完成了波音707大型喷气式客机的设计，使波音飞机不仅有很简练、极富现代感的外形，而且创造了现代客机经典的室内设计。设计时运用人机工程学的数据，采用原大的飞机模型，通过几十次的模拟飞行，来试验座位、厨房和其他设施是否符合人机工程学的眼里，飞机内舱采用了隐蔽的灯光，宽大舒适的坐椅和宁静的色彩，是当时最先进、舒适、安全的民用客机。 提格在与柯达公司合作的同时，也为其他的公司从事设计工作。他与这些公司的工程技术人员密切合作，从外型上解决技术问题，使他设计的机械具有比较少的凹凸外型，便于清洁、保养，提高了安全度，也便于工人使用，他是最早在产品设计中注意到人体工程学因素的设计家之一，利用人体工程学因素来设计出效率高、安全的产品。正因为他的设计考虑生产的要求，因此具有相当好的客户和市场反映，因而，二十年代委托他设计产品的厂家越来越多，给予他的设计范围、内容越来越大，即便是一个项目，也会越来越细，要求越来越广泛。提格逐渐发展出自己的一套设计体系，为企业开发整个产品系列的设计，这种设计方式使他成为早期美国最为成功的工业设计师之一。
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轻松拍摄水滴摄影技巧
相信大家在网络上或杂志中常常看到一些精彩的水滴照片，这些照片究竟是怎么拍摄出来的?需不需要去studio?需不需要拥有一部能达到 1/8000s的专业FF相机?需不需要功率强大的影楼灯?当然，如果你有齐上述三项，你会更容易拍摄到此类照片。但如果没有，是否又不能做到? 答案是：只要你有10元钱便可。现在就让我为大家介绍一下。 事前准备： (1) 一部DSLR──无论是入门级，中阶级，还是专业级皆可。我今次用的也只不过是一部入门机。 (2) 闪灯──内置或外置皆可。我今次用的只是机顶的内置闪灯。 (3) 镜头──微距镜最好;如没有的话，可以用extension tube或macro filter把你原本的镜头的最近对焦距离缩短;再没有的话，甚至是一般的kit len& #8203;& #8203;s也可。我今次用的也只是跟机的kit len& #8203;& #8203;s。 (4) 脚架──来确保每一次的构图一致。 (5) 有颜色的不透明的杯──杯的颜色，就是水的颜色。需要一只不透明的杯，否则便会拍到浴室中其他的物件。我今次用的是一个极度普通的蓝色胶杯。 (6) 一张白纸──用来制造均匀的光调。 (7) 胶纸──用来固定白纸。
婚礼现场摄影的7个经验技巧
春天渐渐到来，安排结婚的朋友也不少，婚礼现场拍摄也开始进入旺季。由于很少有职业摄影师涉足这个方面，因此大多是由发烧友或者业余摄影师来做现场摄影的比较多。 拍摄婚礼现场的门槛很低，用熟了手头上的单反，再配上一个光学性能不错的大变焦比镜头，外加一支闪灯就差不多了。现场摄影的侧重方面是记录而不是创意，首先需要做到的是把发生的事情，参与的人记录下来，并且在照片中能够交代清楚环境和时间的先后，做到这些就基本成功了，在此之余如果能够拍出一些视角独特的创意照片当然是锦上添花的。 现场摄影器材的选用比较重要，机身方面，自动白平衡要尽可能的准确，可用ISO越高越好，连拍速度则没有特殊的要求，镜头方面选用一支类似于24- 105VR这样能够涵盖广角到长焦端的镜头比较好，毕竟在现场更换镜头是比较麻烦且危险的，很容易让你错失不少关键的镜头。带有柔光罩的闪灯是必不可少的，婚礼现场大多在室内，需要补光的情况很多，能够离机无线引闪当然更好可以拍出很多特别的效果来。 建议最好使用RAW+Jpg索引的模式来储存照片，RAW在后期提供了宽广的调节空间，这样即使是在现场手忙脚乱的情况下出一点小差错也能够通过后期调整弥补回来。 需要特别注意的就是存储卡要带2-3张，带上笔记本或者数码伴侣，这样三张卡轮换使用，随时备份数据可以最大限度的保证安全，即时是不小心，丢失损失也不会太大。做好了这些器材上的准备，就可以真正的出发去拍摄婚礼了。 会拍是一方面，拍好就很不容易了，以下7个小技巧定能让你的现场拍摄水平更上一层楼。 Tip1：发现那些妙趣横生的瞬间 婚礼对于大多数人来说只是走过场的形式主义，但是现场依然会出现一些很有意思的瞬间，不过这就要求摄影师有敏锐的感觉能够捕捉到那一瞬间的美好。摄影技巧
专业婚礼摄影师给婚礼摄影新手的10个建议
婚礼摄影师 Elizabeth Halford，她拍摄过婚礼，也看过很多婚礼摄影师的工作，以下是她给新手们的10个建议，希望能帮助他们成为更好的摄影师，为新人们留下最好的作品与感觉。其实不少项目对「活动摄影」都很有帮助，如果你也有拍 event，同样值得参考。 1. 不操作当新娘子在早上准备中的时候，不要冲进去要求她微笑或装作准备中，而是细心观察及预测她的行动，例如 set 好头及化好妆，下一步就会是穿裙子;已经穿好裙子?那么在梯间等她吧，她准备出来了。作为摄影师总是很难休息的! 2. 相册花絮不要只顾着新郎新娘，一册婚礼相簿中，少不了一些婚礼花絮，例如室内布置、花球、旧居墙上的全家福、新娘儿时的睡床或物品，全都是温馨有用的素材，拍摄下来就可以点缀到整本相簿、填满空间而又不会局促。 3. 找机会独自拍摄在人群中、主角旁拍摄时，总会有很多人呼叫「摄影师!摄影师!」而且很多人会紧张地走来走去四处张罗，但有时你需要离开这些紧张的人群一会，拍摄其他有意义的照片，也要拍摄来宾抵达或新郎等候的时间。 4. 放胆拍摄 不要害怕站在人群之前，使用变焦镜能让你避免经常挤拥于人群中间，但记着你是明正言顺的摄影师，你甚至可以站在正讲话的牧师身后拍摄，而不需要过于避忌，亦不需要盲拍。 5. 注意衣着 即使你是女性，也毋须拘泥于婚宴场合之类，你必须穿裤子而不是裙子!留意服饰应该轻便舒适 (而不失礼)，鞋子必须不发出任何声音，让你能以最正常的姿势来回工作。
掌握摄影构图的艺术
我们学到的最初的几个摄影构图法则之一就是三分法则。不过一旦你了解了这个概念，还能做些什么来进一步提高照片的构图呢?三分法则是起点，但关于构图还有许多东西需要学习，而不仅仅是把主体放在画面的某个位置。本文就为大家介绍关于摄影构图更多的几个方面。 我从来不喜欢“三分法则”这个叫法。叫做“指导”更加准确，虽然不如“法则”醒目。为什么是指导?因为有时把主体放在画面正*或边缘反而是最有效的构图。一旦你把构图方式归结为“法则”，你就是在按照方程拍摄。你是在按照逻辑拍摄而非用心(最理想的情况是两者皆用)。摄影教程 这张照片中，我把画面主体——那块岩石——安排在边缘位置的*，因为考虑到它和水面上云的倒影的关系。这个构图衡量的是白云和黑石的平衡。这个场景基本不可能用到三分法则，否则最终照片不会如此有力。 1.指导 这里有7个用于提高构图技术的指导。把它们当作通往成为更优秀摄影师的路标吧。它们会帮助你到达目的地，不过要记住你随时都有自由发挥的自由。 2.挑战自己 这里有一个留给你的挑战。对本文中提到的每一点，都亲自去实践一下。出门去拍些照片。这样这些建议才会变得更加有价值，你会学到很多关于构图的知识，拍的照片也会更好。 3.线条
鲍昆：纪实摄影的本质是人文关怀精神
创作，就在生活之中 来自阿根廷的Alejandro Chaskielberg，曾是报纸、杂志的摄影记者，走的是纪实摄影的路线，而他的拍摄题材大都与人民的生活习惯及工作有关。使用大片幅的底片相机，利用长时间曝光的拍摄技巧来营造出有点梦幻不具真实感的纪实照片，有时还会加上闪光灯，一同进行拍摄。 月光的亮度是很微弱的，所以如果要让曝光到达正确的亮度，就需要长时间使用慢速快门，来让感光组件受光，这时被拍摄的人物，需要好一段时间维持不动的状态，他自己是认为这是一种自我的挑战。而使用底片相机的关系，所以无法确切当下立即预览拍摄的状况，测光与快门的预测就更显重要。 利用月光玩摄影 长时间曝光是摄影人很常用的拍摄技巧，只要把这个技法搭配其它的拍摄媒介，就能创造出很多不同种类的摄影玩法。当然利用月光来拍摄，也是其中的一种创意。想要用月光拍照，需要准备的摄影器材有：任何具有B快门的相机、三脚架、可以锁定的快门线、备用相机电池、手电筒、必要时需准备防寒用具。 月亮高高挂在天上，拍摄之前得先注意天气云量的变化，可以先上天气网站查询当日云量的多寡，以免背着装备到了现场，却看见乌云密布!通常在满月前后的二、三天都可以进行拍摄。要怎么知道月亮的光量是否足够，可以试着找找地上有没有月光投射到物体的阴影。但这在*好像不是一件简单的事情，可能要到没有光害、比较空旷的地方，才有可能成功拍出照片。 因为是长时间曝光，所以一定要把相机放在三脚架(要很稳固的)上，并且使用快门线来释放快门，有时，曝光的时间甚至会超过30秒，这时间的决定，就是端看现场环境的光线与拍摄的主题来决定。如果各位朋友对于使用月亮打光有兴趣的话，就一起跟小编祈祷满月前后的这几天，是睛空万里的好天气吧!2003年底，广东美术馆举行 “中国人本”摄影展，在展览图册中有我一篇文章《在历史、文化、政治、伦理中的中国纪实摄影》。写那篇文章的动机除因应邀之外，主要是我感觉那时的摄影界“纪实摄影”这个词汇喊得震天响，但大家对于纪实摄影的理解有很大的偏差。许多人把照片的纪实性当成纪实摄影，所以那时的各种摄影比赛虽然都设有纪实摄影这个方向，但征集来的作品都是一些民俗节庆照片，和摄影史上定义上的纪实摄影完全不是一回事。而纪实摄影这个概念是地地道道的西方舶来的概念，是世界摄影文化历史遗产中非常珍贵和宝贵的一部分。廓清纪实摄影这个概念，对发展中的中国摄影文化我以为是必要的。为了这篇文章的准确性，写作过程中我一直请教在我们摄影界德高望重的林少忠先生。林老先生是中国最早接触纪实摄影这个概念的人，也参与了这个概念的翻译。更重要的是，林老先生和把这个概念理论化的美国的摄影史作家罗森布拉姆夫妇有过深入的交流，能够非常清晰完整地陈述纪实摄影产生的背景、过程，以及意义。从一定角度上说，我文章的基本观点和知识陈述，都是从林少忠先生那里来，我只是根据理解和以前阅读相关书籍的经验，强化突出了这一摄影类型的要义。在此之前，我曾在2002年撰写过一篇类似的文章《观看的力量》，发表在2003年初的《视界》丛刊和中国摄影报上，梳理过这种摄影在现代历史上的作用。下面，我根据自己的理解再次谈谈纪实摄影到底是怎么回事。 西方纪实摄影的发展历程 西方纪实摄影有一个自身的演变过程，它是从早期简单的摄影报道，一步步发展，然后被批评家慢慢的梳理上升到理念。至于这类摄影的称谓，法国摄影家欧仁·阿特热(Eugène Atget)最早使用纪实Documentary这个词汇，但他只是追求纪实性，即拍真实的照片卖给画家当素材，所以和我们现在理解的这个概念还存在一定的距离。不过，阿特热已经将摄影在历史生活中的证据意义展示出来，在此之前还有英国的约翰·汤姆逊(John Thomson)的《伦敦街头生活》和美国的威廉·亨利·杰克逊(William Henry Jackson)的落基山摄影，以及更早的美国马修·布雷迪的战争摄影，都从几个方向意义上开始搭建纪实摄影Documentary Photography的概念，以区别于当时流行的画意摄影的照片。但最能代表这个理念完整内核的初始现象是1888年雅格布·里斯拍的《纽约的另一半如如何生活》，它让纽约市政当局开展一场改造贫民区的运动，让很多弱势群体得到帮助。后来，在这个理念发展过程中间出现了刘易斯·海因等等一系列杰出的纪实摄影人物。海因的摄影对美国的《童工法》立法起到了一个直接的促进作用。 最早使用和现在纪实摄影Documentary Photography这个概念差不多的是一个叫约翰·格里森(John Grierson，1898-1972)的英国人，1926年他提出这个概念本来是电影领域的话题，但是很快被导入摄影界。他提出这个概念已经有了政治伦理诉求。但纪实摄影完整的理念是在上个世纪三十年代才基本完成的。比芒特·纽霍尔(Beaumont Newhall)1937年撰写的那本《摄影史》，把这一类型样式的摄影归结到这一概念之下。在他之后摄影史专家瓦尔特·罗森布拉姆(Walter Rosenblum)和妻子内奥米(Naomi Rosenblum)在他们著作的《世界摄影史》中又非常认真地重新进行深度的梳理，把Documentary Photography前面加上Social ，所以这个词汇严格的汉译是“社会纪实摄影”。
棚拍让光线更加多元化的布光技巧
打灯也是一门艺术，外行人看热闹，内行人看门路，每一道光都有不同的作用。我们都知道外拍的时候，会用反光板、闪光灯来制造眼神光，从小细节的地方，丰富照片的可看度。当然使用棚灯也是同样的道理，除了要注意主体脸部的光线之外，还要考量到Model动作与光线的搭配，背景光线的明暗程度，必要时也是要出动蜂巢罩、柔光罩、透射伞......等小配件，来变化光线，增加层次。下面就要与大家分享还有哪些方法可以让棚灯打出来的光线更为多元哦! 善用背景纸与对比，营造千变万化调性 除了柔光的拍摄外，棚内拍摄的另一个主流就是对比光的拍摄，而这类对比光用最多的情形，就是在背景纸上。下面这张照片是很标准的棚内背景纸打光作品。在这边，我们用了四支灯，一支是位于模特儿头上，打出主要影子的主灯;一支是在模特儿正面，加了透射伞的正面补光灯;我们也用了另一支灯打亮背景，让它不会太暗，也多一些层次;最后，我们在模特儿脚上再加一支蜂巢灯，用来制造地上的光点，便完成了这张照片。其实拍背景纸不难，重点是模特儿本身的动作扎实度，和你打灯时的所要表现的重点是什么。 以这张图为例，我一开始只是想要一张有单纯光影变化的单柔光罩作品，以表现出模特儿本身酷酷的个性;为了让光线不会太硬，所以我们用了150公分的八角罩。只是这样大的罩子因为打光范围大，加上为了加强人的对比度，所以我们选择了高一点和斜一点的角度来打光。但问题来了：这样一来，模特儿的前方和脸的下方会因为光线不足而反差太大，简单地说，就是这些部份会太黑;所以我们才会在正面再补一支灯。那为什么要加透射伞呢?主要是就是因为需要柔光正面的补光光线。 在加了这些光线后，我们又发现背景也是太暗了，所以我们才会再加一支出力很小的蜂巢灯，让背景出现一些层次，却又不会太亮而破坏了整张照片的感觉。最后加在脚上的光点(蜂巢灯)，则是为了要强化戏剧性的效果。 说了那么多，其实马克只是想让大家了解：你在打灯时，一定要知道每一支光线是为什么而做;甚至是你在拍摄时，就必须要了解整张照片的调子会是什么样的感觉，这样才可以在你定好的大方向下，把灯光布置好而完成一张照片。 活用光与影，完成丰富层次感 同样的状况我们也可应用在下方的照片中。在拍这张照片时，我已经大概了解厂商要的光线是带有层次又不会太硬的光线，所以我们一开始就用了裸灯的方式来表现，因为裸灯的光线有些会经由其它介质反射而得到一些柔光，直打的部份又有硬光的特质，刚好符合厂商的需求。但在打完第一次后，因为背景都是白色的，感觉少了一点层次，所以我们在灯和人之间再加了一个假框，用打光制造出黑色的影子，以增加背景的层次感。 在这例子中，一样也是先决定了主灯，之后再藉由事后的补充，来达到我们照片的要求，所以，打灯最重要的不是技术问题，而是要先厘清自己的目的，再来打这个光线。 善用小技巧，让光感更自然
用斐波纳契比例完美构图 提升摄影作品质量
你是否是一个注重细节的人?如果你是一名摄影师，那么最好回答是。对任何摄影师来说，理解了三分法则都是一个重要的里程碑。突然之间，你意识到以前拍的照片中，都把主体放在了画面正中，因为对焦点在那里。很有道理吧?三分法则使你在摄影之路上到达一个新的高度，把主体放在画面上下或左右三分之一处。但是如果所有照片都只有这一种构图，不也非常乏味吗?诚然这种技巧有一定作用，不过再来学习另外一种同样有效的技巧怎么样? 用斐波纳契比例完美构图 进入斐波纳契比例 斐波纳契比例也被称作Phi或黄金分割，这个规律由莱昂纳多・斐波纳契在公元1200年左右发现。他注意到自然界中大量出现了这个比例，以此为基础的自然结构设计即实用又美观。从此就有了黄金分割这个昵称。 自文艺复兴以来，艺术家和建筑师们就在作品中大量应用1:1.618这个比例。在巴台农神庙、《蒙娜丽莎》和《最后的晚餐》等著名艺术作品中都能发现这一比例，而且直到今天依然在使用。黄金分割已经被苹果公司用于其产品设计中，Twitter在页面设计中也采用了这个数字，世界各个主要公司在Logo设计中也都有采用。摄影圈内并对此没有过多讨论过，因为这是一个有些高阶的构图方法，而很多人都弄不明白它。如果只说三分法则就简单多了，如此直接、精确，而且容易上手。 斐波纳契比例并不是复杂的数学概念。这是一个实用的构图方式，历史上著名的艺术家和建筑师，以及世界500强公司都在用。对摄影来说，这个比例创造出的构图，符合人类潜意识里的审美观。把斐波纳契比例的4个点画出直线，你会发现得到了一个类似三分法则的网格线。但仔细观察后会发现这并不是准确的三分线。现在画面的比例不是1:1:1，而是1:0.618:1。下面是一些例图： 用斐波纳契比例完美构图 上图中，我将马的略占主要位置的左眼放在网格线交点上。试想看，如果我这里用的是三分法则网格线，则马头会挤在画面左边。这张照片中，马头不在画面*，也没挤在任何一边。这就是恰好的位置，你同意吗?看看另一个例子： 用斐波纳契比例完美构图 这张照片有些不同。如果你真的是一个注重细节的人，就会发现这里没有用网格线。这张照片中，我把模特的头放在螺旋线上，而让他的左眼位于节点上。
摄影的生命 光线在景物上的效果
光是摄影的生命，没有光线就不可能存在有摄影。摄影的艺术是光与影的艺术。大家都知道，风景中的景物和其他东西一样，有了光线的照射，才会产生明暗层次、线条和色调。拍摄风光，主要是以太阳光作为光源。太阳光线是一种变化多端的东西，它照射在景物上，能产生各种不同的效果。它有时强有时弱，而且还会随着季节和气候的不同而变化，景物就因为它的不同变化而受到不同影响。因此，我们拍摄景物时，就先要了解每种光线的来源和光线的强弱给予的影响，从而很好地加以运用，才能充分表达景物的光线效果。风光照片拍摄得成功与否，与光线运用得是否得当有很大关系。因此，熟悉光线在景物上的一切变化，是拍摄风光照片的一个关键问题。 1、正面光对景物的效果 用正面光拍摄景物，可使景物清朗而具有光亮、鲜明的气氛。但正面光照射在景物上过于平正必须缺乏明暗之分，往往会使景物主体与背景的色调互相混淆起来，缺乏景物的立体效果。 2、侧光对景物的效果 利用侧光拍摄景物，由于光线斜照景物，景物自然会产生阴影，显现明暗的线条，使景物有立体的感觉。景物有了立体感，立体背景的色调就不易互相混淆，但拍摄侧光景物，要注意阴暗部分色高的深浅，以阴暗部分确定光时间，但最好以中性灰为测光基调，使景物阴暗部分的层次能够充分显示出来，使画面层次丰富。侧光是几种基本光线中最能表现层次、线条的光线，也是最适宜拍摄风光照片的采光。 3、逆光对景物的效果 逆光照射景物，景物中被光线照射的部分，都会产生光亮的轮廓因而就能使物体与物体之间都有明显的光的界线，不会使主体与背景互相混合成一片深黑色的色调。因为逆光所造成的这种光亮的轮廓使主体与背景物截然分开，这就是逆光所独有的特点。 逆光是从景物背后照射来的，我们拍摄的对象必然是没有直接光线照射的阴暗部分，因而也就不容易表现出景物的明暗层次和线条。但是逆光照射在一切物体的背后，如果物体与物体之间距离不很远，就有互相反射光线的作用。拍摄逆光景物往往会因光亮的轮廓和镜头前面的光照影响拍摄者的视觉，容易造成曝光不足。因此，拍摄逆光景物必然以景物的阴暗部分或中性灰来确定曝光时间，才能充分显示出景物的层次。另外，逆光照射下的平地、水面以及一切仰面物体，自然会产生一片强烈的白色反光，为了避免这部分与其他物体色调反差过大，以运用柔和的光线拍摄较为适宜。 4、高光对景物的效果 太阳升至在天空垂直地照射大地时，就是高光。高光是一天中阳光最强烈的时候，因此，光线强烈，阴影必深。同时高光又是从高空垂直照射下来的光线，除了能表现由上到下的阴暗层次外，并不能表现出物体的质感，这种光线不是拍摄风光的理想光源，非必要时拍摄的景物，应尽量避免采用。
超级实用的10种简易布光方法
光线是摄影的基本，得到好的光线则可说是成功了一半。问题是，除了把灯光打在天花板、打在侧面、打在墙身，还有什么好方法呢?这里有10种很简单易懂的方法，可供大家参考。 1. 用手拿着两个闪光灯 直截了当，相当简单，却又有不错的效果。 2. Udi Tirosh 看起来是倒影，实际上是投影，来自杯子顶上的灯光。 3. Ragoem 透过高光及反光板，加上辅助光源，让花瓶每一条坑纹都能在画面中突显出来。这是个超简单的方法，却很实用。
拍摄剪影的超简单步骤分享
要透过镜头展现出戏剧化的效果，剪影未尝不是一种非常棒的表现方式。在照片中，注入与整体画面大相径庭、省去细节的对象，可能会造成别有韵味的视觉冲击和心理震撼，人们或许会从中体会到美轮美奂、神秘悠远的意境，甚至在某些画面表现出的惊魂一幕，令人胆战心惊、心有余悸。 今天小编向大家提供几个小小的建议，记住它们，下次拍摄剪影时依此而行，应该会有裨益。此外，文中还提供了一些令人惊艳的现实剪影拍摄，将引领大家探究各自的相机设置秘诀，看看我们能从中学到些什么。 1、仔细选择被摄对象 在考虑技术细节和相机设置前，你需要先腾出时间和精力来思考一下选择对象。这会是一个比较棘手的事情，因为要恰如其分地做出选择，你多少需要点经验。你会希望对象相对简单，并且在二维层面上表现出与周围环境迥然不同的外形。剪影拍摄的自然韵味意味着，你将剥除对象的所有繁枝细节，并使对象与周围环境混为一体，几乎体现不出任何景深之感。 2、注意视角 拍摄期间需要当心的是，对象决不要呆板一块，不要让讨厌的建筑或简单的雕塑物挡住。此外，如果拍摄画面中有多个人，也要当心。要是剪影重叠部分太多，则会给人混乱不堪、模糊不清之感。拍摄中，应力求各个对象就算从个体对象的角度来看，也是轮廓分明、清晰可见的。 3、重叠趋势 你通常会见到的一个拍摄题材是“亲吻剪影”，其中两个人互拥在一起，亲吻对方，但由于他(她)们的脸过度重叠，使得最终的拍摄结果显得有点诡异。 正如你在上面照片中看到的，尽管图像整体看起来还不错，但如果关注剪影中脸部重叠的部分，多少有点混乱不安的意味。要是打算模仿这样的拍摄，就尽量要 “恰逢”亲吻前后，脸部还没有接触的情况下，从而获得更好的表现效果。记住，并不只是对人物剪影需要如此，对于摄影作品中有重叠趋势的任意两个对象，该原理同样适用。